Oona Doherty

Oona Doherty creuse son sillon en offrant quatre tableaux qui présentent différents aspects de la société dans laquelle elle vit. Tout l’art chorégraphique d’Oona Doherty consiste à puiser dans la réalité sociale et intime de ses compatriotes, comme dans ses stéréotypes de genre et de classe. En la transposant sur scène, avec une énergie, une intensité, et un sens de l’image rare, sur une bande sonore qui mêle bruits de la ville, conversations et musique, elle affirme la capacité de la danse à s’emparer du réel. Le son émane d’une collaboration avec David Holmes, compositeur de musiques de films (Steven Soderbergh) et producteur d’artistes (Primal Scream).
Dans le premier mouvement, elle déconstruit ainsi l’image du jeune homme défavorisé en mixant le Miserere et une gestuelle et des sons issus de la rue. Le second, Sugar Army, inspiré de l’école non-mixte dans laquelle elle est allée, interprété par un groupe de danseuses hip-hop, affirme la puissance des femmes. Le troisième Meat Kaleidoscope offre un duo de deux hommes corpulents, massifs, torse nus, qui, dans le clair-obscur oscille entre la lutte et l’étreinte, mesurant la confiance qu’ils peuvent accorder à l’autre et dévoilant la difficulté à se toucher. Le dernier enfin, Helium, voit Oona Doherty s’éveiller comme si elle renaissait, oscillant entre la peur et la curiosité, tentant de se mesurer au monde extérieur, à la merci de son propre corps.
Avec cette pièce, Oona Doherty confirme son goût pour une danse viscérale et expressive, qui explore les zones de fragilités et de maladresse. Elle incite à regarder autrement les figures qu’elle convoque, leur donnant tout à la fois une dimension poétique, spirituelle et politique.